早年，王旻在中央美术学院学习坦培拉的时候，张元老师常常要求他以自然之心、虔诚之心、无我之心来创作。与其说是创作，不如说是修行。

　　自然，是出生于湖北武当的他的第一眼风景。我们在他的画中能感受到他对于自然的依恋，纯粹而热烈，像一个孩童要分享心头的记忆——尽管是支离破碎的。

　　虔诚，来源于他对神性的向往。我亦时常幻觉他正试图以“上帝视角”来造景，并且精心地截取出他最得意的一部分，制作成了标本。

　　但是“无我”，却不是可以奢谈的。世俗烟火，来来往往，人群中，彼此互为倒影，每天面对的都是重重叠叠的自我。

　　但幸运的是王旻足够单纯。单纯的人容易被框架限制，也能在不知不觉间跨过边界。因为放下了一部分“自我”，反而留出了更多的可能性；因为模糊了意图，才能在混沌中缓慢生长。

　　最让我欣喜的，并不是王旻的画有多么完美，而在于它的生长性。从最早的“盆景”，到后来的“风景”，再到现在的“心景”，这之间的差别如果要具体到实处的话，那就是——画框。

　　艺术家在创作的时候，总是避免不了要考虑尺幅、画框等现实问题，久而久之，

　　画框就把自己给框住了，成了心灵的边界，同时也束缚了观者的眼睛。

　　而王旻的画慢慢地就开始忽视画框了。借由某一个泉眼般的中心，汩汩地往外冒着生命力，纵横交错，视线也在里面游走不定，随着笔触蔓延至画外——那也就是画意真正的所在之处。“上帝视角”的他不再执着于展现蛋糕上的裱花，取而代之的，是放眼天地山水，随手一指：喏，这里好像还不错。然后下一秒他又溜走了。

　　无心之举，反而有“意”。

　　王旻的画并没有脱离“符号”范畴，也就是画中的“泉眼”。在漫无边际的遨游之后，我们的视线最终还是会自觉地溯源和回归。这个过程在放与收之间徘徊，而隐藏在符号中的种种意蕴，才得以被层层体味。

　　我们擅长树立起高墙，也容易陷于二元对立的桎梏当中，比如时下流行的“传统”“当代”概念。往往越是用力拉扯，越无法看清其间的真实联系，因为它们本身就是混沌一体的。

　　这里我以画框为边界，并非它真的划分了什么确立了什么。只是说，那些放下了饱满的自我之心的人，泛若不系之舟。画框？不过是它不知不觉间跨越的小小边界，之一。

　　虽然“无我”依然是一种太过理想化的奢谈，但是又有什么关系呢？只要我们知道此刻是在不断拓展和生长着的。

潘晓华（中央美院艺术史博士）

2017-12-5